歌剧，原汁原味也能有滋有味

　　【面面观·歌剧是否需要中文译唱】

　　作者：赵碧波（哈尔滨音乐学院声乐歌剧系副教授，歌剧演员）

　　著名指挥家郑小瑛老师倡导的歌剧“洋戏中唱”已经探索和实践了多年。事实证明，这条路是成功的，尤其对歌剧的普及功不可没，但这不代表西洋歌剧必须走中文译唱的路子。在笔者看来，中文版歌剧只能算理解上的“权宜之计”，而非艺术上的“终极表达”。在歌剧普及的初级阶段，洋戏中唱具有一定的价值，但是无论从综合价值来看，还是从长远来看，歌剧，原汁原味也能有滋有味。

    日前，第40届上海之春国际音乐节闭幕，图为闭幕演出《茶花女》现场。 

　　1956年，改编自法国小仲马同名小说的歌剧《茶花女》，首次以中文版的形式搬上中国舞台，自此掀起洋戏中唱的热潮。这种尝试本意是为观众扫除语言障碍，降低欣赏门槛，希望观众“听得懂、感受得到”，从而激发歌剧普及热情。从1956年起，《茶花女》《蝴蝶夫人》等译配版广受欢迎，表明洋戏中唱确有其历史必要性与群众基础。

　　但是近70年过去了，我们必须清醒认识，译配是艺术“便利”的选择，不是“忠实”的体现。正如郑小瑛本人也指出，翻译工作极其复杂，需数千条意见反复打磨，译词与旋律常常难以自然贴合，美声唱法本就偏重元音清晰与语音流畅，而中文的四声和断句特性极易导致唱词“倒字”“变调”，使得唱法技巧与语言逻辑发生错位。

　　在笔者的教学实践中，也曾有学生质疑为何要用原语言演唱“听不懂”的内容。对此，笔者常以电影为喻：你会因为不懂法语而让演员说普通话吗？若仅为理解剧情，字幕足矣。我们追求的，是艺术的完整性，而不是语言的便利性。

　　若要理解洋戏中唱的弊端，不妨设想一下中戏洋唱的情况。京剧是我们的国粹艺术，大家耳熟能详。设想京剧《贵妃醉酒》若以英文演唱，是否还具“原味”？如果仅为图新鲜、图一乐，或者方便观众理解故事内容，这种尝试无可厚非，但是你要说“这就是京剧”，恐怕很难令人信服。

　　京剧与歌剧虽然诞生于不同文化土壤，但在艺术结构上的统一是相通的，二者都是高度程式化、体系严谨的艺术。正因为京剧以中文为母语创作，它的旋律与语调才完美契合，若贸然翻译，其艺术光彩便难以维系。同理，西方歌剧脱离了原语言，其艺术品质也将大打折扣。

　　歌剧不仅是表演艺术，更是文化结构的结晶。它集音乐、戏剧、文学、舞美于一体，语言、音乐、节奏、唱法等每一个元素都环环相扣，不可随意拆解。尤其在语言与唱法上，经典歌剧与意大利语、德语、法语等语言的节奏、音韵、语气天然契合，彼此依存。正如意大利男高音歌唱家帕瓦罗蒂所说，“歌剧是人类声音与建筑空间之间最自然的对话”，任何改动都可能破坏这种和谐。

　　将经典歌剧改为中文演唱，表面看似更亲民，实则存在深层艺术断裂。语言的改动，意味着节奏、情绪乃至角色心理都将被“重构”。比如威尔第《茶花女》中的“Sempre libera”（永远自由）一句，是整部歌剧中情感爆发的高潮。如果简单译成“我永远自由”，唱出来不仅音节不合、节奏别扭，情绪也随之滑落，戏剧张力被严重稀释。

　　对于歌剧而言，语言不仅是传达内容的工具，更是艺术结构的一部分。歌剧的魅力，不仅在于旋律的优美，还在于其音乐与语言的完美融合，那些意大利语、德语、法语本身的音韵结构早已深植于音乐创作之中。歌剧原文中的节奏、押韵、气口处理自然相融，而中文译唱往往要在“顺口”和“忠实”之间疲于权衡，最终常常两头失落。

　　文化传播不等于文化简化。我们讲中外交流互鉴，若仅为适应市场与受众口味而牺牲艺术本质，我们传播的就不再是经典。从这个意义上说，歌剧的本体精神，理应被尊重。原汁原味的演出，是一种美学的坚守。

　　坚持原文演绎，并非崇洋媚外，而是对人类艺术遗产的尊重。正如黑格尔所言：“理解他者之美，方知自我之美。”必须承认，歌剧的中国传播需要“对话本土”。本土观众的审美习惯与文化语境确实与西方有差异，因此适度的“适应”是必要的。然而，我们更要清晰地区分：“本土原创”与“改编西方经典”是两条不同路径。像《白毛女》《雷雨》《原野》等，都是中国原创歌剧的典范，它们在构建之初就以中文为母语，以本土故事为基础，自成体系，是值得鼓励的中国歌剧发展路径。但如果把《图兰朵》《卡门》《魔笛》这类西方歌剧简单“翻译+裁剪”成中文演出，那便失去了歌剧艺术本身的厚重与精致，甚至可能出现误读。

　　翻译是桥梁，而非终点。只有保留他者的本真之美，我们才能从中获得更深层的理解力和创造力。若仅为解决语言理解问题，配以中文字幕即可实现观众与剧情的同步。“字幕+导赏”远比“翻译+重唱”高效可行，亦可避免艺术断裂。歌剧不应因节奏加快的时代需求而简化本体，它的魅力，正是在“听不懂”的过程中也能“感受到”。也就是我们通常说的，欣赏某种艺术时，不知道在讲什么，但是会哈哈大笑或泪流满面。很多时候，艺术的魅力不就在于“可意会不可言传”吗？

　　近年来，各大剧院通过多语种字幕系统和导赏讲解，极大提升了观众的接受度和理解力。这种方式比耗费大量人力物力进行翻译唱词、重构旋律的方式更具可持续性，也更利于国际接轨。

　　在当下日益融合的文化语境中，我们更应相信观众的成长力，而非以改编代替引导。歌剧原文演唱不是“故步自封”，而是对艺术根性的坚守。它不是门槛，而是一道风景，是打开世界文明的一把钥匙。我们期待更多观众听到真正的歌剧，在这扇门前驻足，进而推门而入。

　　对于歌剧专业的学生而言，“学习原汁原味的歌剧”这一点更为重要。近年来，部分院校基于“教学便利”，使用中文版剧目训练学生，此举虽可短期提高参与度，却也容易令学生误入“速成”陷阱。歌剧教学应以原文为起点，使学生深入理解语言、情绪与节奏的互动关系，才能培养面向国际舞台的歌剧人才。

　　笔者常常告诫学生：“唱懂一部原文歌剧，胜过表面完成十部译配作品。”唯有深入原作语境，才能理解作曲家与剧作家之间的精神契约，从而传达出作品真正的灵魂。那些“为了方便学生打好基础而用中文版教学”的做法，若不加把控，很容易降低教学标准。我们需要培养的是尊重经典、理解经典、再现经典的歌剧人才，而不是“唱得顺口”的演唱者。若将语言换掉、唱法简化，再谈艺术的深度与专业性，无异于舍本逐末。

　　《光明日报》（2025年04月30日 13版）