青年艺术家龚若愚：在文化裂隙中编织视觉寓言

在北京出生，纽约成长，龚若愚的足迹跨越东西方，他的艺术创作也如同他的人生轨迹，在具象与抽象、荒诞与现实的张力中不断探索。从罗德岛设计学院插画荣誉学士，到纽约艺术学院油画硕士；从苏富比艺术学院展览到米兰YICCA当代艺术大奖，他的作品以寓言般的画面展现戏剧般的张力。近日，记者对话龚若愚，了解他如何用画笔调和东西方文化的矛盾，在艺术叙事中寻找自我与世界的共鸣。

龚若愚作品《Regression -Babes_ Battle（回归 - 宝贝之战）》

艺术之路：从北京胡同到纽约画室

记者：我们在看您YICCA国际当代艺术大赛首奖的作品及相关系列，似乎将东西方艺术语言进行了非常强烈的碰撞。能否谈谈创作时的核心理念？

龚若愚：作品其实源自我在罗德岛设计学院学习插画时对身份问题的思考。当时看到很多中国留学生的作品都在刻意强调“东方元素”，反而显得生硬。后来，在央美高研班的写生课上重新接触传统笔墨，我突然意识到文化符号不需要标签化堆砌，重新审视了自己作为当代中国画家的创作方向。从各类中国艺术形式中汲取灵感，将西方的油画媒介赋予中 国文化的相关性。

记者：听说您的艺术启蒙很小就开始了，自幼学习儿童画。这段经历对您后来的创作有何影响？

龚若愚：童年的学习让我感受到创作的纯粹乐趣。那些天马行空的涂鸦背后，是父母对我无条件的支持。十岁后，我开始系统学习素描与色彩理论，这段训练奠定了我对具象绘画的执着。十四岁赴美进入因特劳肯艺术学院，多元的视觉艺术课程彻底打开了我的视野——雕塑、版画、陶艺……我开始意识到，艺术不仅是技法，更是一种与世界对话的方式。

记者：您本科就读于罗德岛设计学院插画系，硕士却转向纽约艺术学院专攻油画。这种选择背后有何深意？

龚若愚：插画与油画于我而言并无割裂。插画的叙事功能让我学会用图像传递故事，而油画则要求更深层的批判性表达。在罗德岛时，我常笑称自己是“油画系的卧底”，因为插画系的教授们鼓励我们建立独立艺术主张。纽约艺术学院的学术氛围进一步推动我突破传统写实边界，这里的教授既是艺术家也是插画师，让我在叙事与纯艺术间找到了平衡点。

龚若愚作品《Two Seconds of Eloquence（两秒的雄辩）》

灵感源泉：相声的“逗哏”与尼采的“酒神”

记者：您的作品常被评价为“荒诞与现实的交响”，灵感从何而来？

龚若愚：我痴迷于构建象征性景观，在熟悉中制造陌生感。巴洛克大师鲁本斯的动态张力、塞西莉·布朗的抽象笔触都给予我启发，但最核心的灵感来自中国传统文化。例如，我将相声的戏剧性融入画面——逗哏与捧哏的互动，恰似尼采笔下的酒神与日神：一方以夸张姿态打破规范，另一方用理性维持秩序。画中人物常被置于荒诞冲突中，通过幽默与困扰的交织，揭示情感的多重维度。

记者：您提到“单刷版画”对构图的影响，这种技法如何与叙事结合？

龚若愚：单刷版画的偶然性像一场“可视化的口误”。混沌中生成的意外图案，被我重组为全新叙事。创作时，我很少预先规划，而是让画面自然生长——素描、拼贴、材料实验……控制与失控的张力贯穿始终。最终作品如同梦境，理性与感性碰撞，让观者在具象中触摸到无意识的真相。松节油泼洒形成的肌理像语言中的口吃，而后续的具象描绘则是修正过程。比如《捧逗》系列里，那些扭曲的肢体线条其实是先用刀刮出的随机痕迹，再慢慢勾勒出相声演员的夸张动作。这种矛盾恰好对应现实中文化身份的寻找——我们既在解构传统，也在重构自我认知。

龚若愚作品《Mr. Donkey at Work（工作中的驴先生）》

文化身份：在撕裂中寻找调和

记者：您年少留学，经历了中西文化的碰撞。这种冲突如何投射到作品中？

龚若愚：我曾深陷被西方同化与重寻东方根脉的撕裂感。为此，我尝试用油画媒介承载中国文化符号。比如讽刺和诙谐，是我作品中的一个反复出现的表达手法。传统戏曲服饰的人物置身超现实场景，他们的肢体语言夸张如相声表演，却透露出疏离与挣扎。这些作品是对自身文化身份的诘问，也是通过艺术实现的和解。将幽默感与困扰感交织在一起，我寻求揭示情感交织的复杂性 让更多观者产生共鸣。

龚若愚作品《Spectators（看客）》

记者：您认为艺术在当代社会中应扮演何种角色？

龚若愚：艺术创作对我最重要的是乐趣。艺术是揭示无意识驱动力的一面镜子。我的创作不仅是图像生产，更是自我发现的旅程。当今世界充斥着矛盾与不确定性，我希望通过绘画搭建一座桥梁，让观者在荒诞中看见真实，在冲突中感知共鸣——正如相声用笑声消解沉重，艺术亦能成为心灵的“调和剂”。

（作品中文名为编者标注）